Euyoung Hong
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Mapping the City


Euyoung Hong

October 19 - October 29, 2017

Nanji Art Show IV
Mapping the City

SeMA Nanji Exhibition Hall
SeMA Nanji Residency

Mapping in a flexible era has become a creative and critical intervention within broader discourses of space and the ways that it may be inhabited. Mapping is freed from the problems of factual legitimacy and authority with which a centric and rationalist model of absolute space has until recently burdened it.

The 2017 Nanji Art Show IV, entitled ‘Mapping the City’ is the 4th group exhibition of recent video, photography and installation works by four domestic resident artists in the 11th term of the SeMA Nanji Residency run by the Seoul Museum of Art, Sejin Kim, Mo Kim, Joseub and Euyoung Hong, and by an external artist, Hye Joo Jun. The exhibition explores the concept of mapping and its relationship with the city, whose meaning and function have constantly been altered and broadened, being transformed into a way of creating new connectivity or network between people, places and times.

Human beings have recognized the importance of maps and mapping to their lives over a long period. Throughout the history of map, mapping has been understood and represented differently depending on its producers and particular purposes within society. An interesting example is the Hereford Mappa Mundi, which was made in the fourteenth century and is currently displayed at Hereford Cathedral in Hereford, UK. This medieval map presents a particular way of reading, organizing and projecting the world. It is one of the largest surviving world maps of the period. However, it is far removed from the maps that people use today. This is not only because most maps in the medieval period were made from limited scientific and geographical knowledge or because it was created almost two hundred years earlier than the exploration of new continents, but also because the monasteries were the centre of knowledge and they tended to dominate mapping to disseminate a Christian world view. The Mappa Mundi reflects traditional medieval mapping, locating Jerusalem in the centre of the world, and is heavily decorated with religious symbols and signs, such as angels and monsters. Significant scientific and technological changes after the sixteenth centuries, under the influence of the Enlightenment, have certainly affected both the tradition of mapping and the projection of the world, with rational ordering of space and time on the basis of an individualistic intellectual movement, detached from religious dominance and ordering. In the evolution or transformation of mapping, the potentiality of mapping can be rediscovered to expand our understanding of the space that we construct, inhabit and occupy, particularly concerning ways in which people perceive and shape the world through the notion of mapping; mapping acts to expand and change existing spatial systems and knowledge.

Changes in understanding and applying the concept of mapping has been accelerated in relationship with post-structuralist phenomena, which drive us to escape from single-voiced historical narratives and from universal and unitary explanation to understand people and the world. Specifically through various art practices and exhibitions, the idea of mapping has been expanded and visualized in different ways and contexts. From land art to conceptual art since the 1960s, many artists have taken up the challenge to create their marks and traces on spaces from the rural to the urban, documenting their journeys or reproducing the sites around them. Richard Long, for example, created many (temporary) site-specific and installation works by the act of walking and marking places, time and distance during his journeys. These works were composed of raw materials, such as stones and rocks, collected from the sites he visited and, in some cases, were documented and presented as a form of photography and text. Other works, such as Christian Philipp Müller’s performance and installation works of the 1990s, made by crossing borderlines between different countries and Gordon Matta-Clark’s site-specific works, such as ‘Splitting (1974)’ and ‘Day’s End(1975),’ explore the limits and contradictions inherent in various spaces and places, creating new possibilities of spatial relations and movements through and beyond existing orders and systems. Some exhibitions, which reconsiders the notions of dislocation and site in experiment with maps and mapping, include Robert Smithson’s ‘Mapping Dislocations’ and Sol LeWitt’s ‘Cut Torn Folded Ripped,’ which were held in James Cohan Gallery in New York in 2001 and 2013, respectively.

‘Mapping the City’ explores the concept of mapping, particularly its changing meaning and function in relationship with space and spatial knowledge built in contemporary society in South Korea. A ‘map’ is differentiated from ‘mapping’. If a map is seen as a finished product, mapping is related to the act of production, which can be understood through Deleuze’s concept of “spatium”. In Difference and Repetition, Deleuze describes intensive spatium as an internal difference or inequality, which “is the sufficient reason of all phenomena, the condition of that which appears.” In his concept, extended space (Deleuze calls it equilibrium) is distinguished from intensive space. Extended space refers to actual space or everything that participates in the process of expressing or actualizing external measure or order. Intensive space is considered virtual space or everything else, which develops its potentiality to determine the flow and form of externality. Intensive space is resistant to extensive space, where differences are cancelled out and disappear. In this respect, mapping can be understood as the intensive process of spatial production or intensive spatialization, which focuses more on developing the act and rule of (un)making, passing through existing systems, orders and relations. It is the process of making a connection between everything and everything else, between equality and inequality, between centre and periphery and between the indivisible and the divisible.

In relation to the Deleuzian notion of spatium, the concept of mapping practises and is actualized in a creative yet critical relationship with the space. Mapping is inherently spatial and political, in that it plays a significant role in the (re)construction, change and representation of space and the perception of that space. In other words, mapping generates a new set of relations, which can change existing orders and relations both conceptually and materially. In the practice of mapping, authorship as a political agent expands the domain of its sovereign right from one place to another, without belonging to or being controlled by any existing systems of order and classification. This sovereign right legitimizes the practice of mapping in and through space, forming new spatiality and spatial relations. Mapping is, therefore, seen as the process of making non-hierarchical spatial connections. It creates new visible lines between unrelated people, time, memories, places and spaces. Mapping operates by variations and expansion and produces a map, which can always be detachable and connectable. In this respect, space or spatiality cannot be considered a fixed entity, which simply contains and even classifies things in its static spatial system. In the practice of mapping, spatiality is not only constantly (re)produced, transforming stratified space into permeable space, but also its change expands and directs people’s thought and behaviour in a different way.

This exhibition concerns ways in which mapping can act as new form of collecting, producing, coding, decoding, recording, (re)ordering and visualizing existing spatial knowledge and relations in and through the space of art; and how contemporary changes in perceiving and understanding the world alter the meaning and practice of mapping. As the title of the exhibition indicates, it focuses on the expanded relationship between mapping and space, particularly in the city. Compared with natural spaces or rural areas, which are mostly located outside cities, the city is a contested zone, in and through which new modes of production, socio-political actions and relations are competitively generated, to seize a dominant position in exercising decisive force. In other words, the city can be a proper place to provide more chances to perceive and experience the transformation and conflicts of existing relations and systems in an encounter with new spatial rule and perception. In some countries, particularly South Korea, people tend to use the spaces of the city more actively than those of other countries, not only because over 50% of total population in South Korea are concentrated in the cities, but also because, in many cases, spaces are used simply as an essential means for earning more profits, such as competitive development, investment of residential and commercial places and the occupation and transformation of public spaces. Considering the complex spatiality and spatialization of the cities in South Korea, mapping cannot be understood from a single unitary perspective, as a space is not a fixed entity, but constantly produced and changed in its interrelationship with different forces, movements, relations and perceptions.

The exhibition is structured in four different spaces, perspectives and methods of mapping the city. By developing the idea of mapping, these four artworks visualize specific aspects, moments or places, which have been forgotten, overlooked or invisible, covered with dominant powers and systems of urban space in South Korea. Each exhibition space is transformed by two artists. Sejin Kim’s ‘Day for Night (2014)’ focuses on complex relationships among heterogeneous moments, places and ideas in the city. In this video work, dark and fragmentary scenes of abandoned houses and desolate streets in a removal site in Daejeon alternate with full colourful screens and quickly passing images of urban spaces, such as railroads, subway platform and newly built high-rise buildings. This work explores the space of the city and people’s life and survival in that space, which constantly create unfamiliar moments in the process of urban transformation. When a dwelling space conflicts with rapid urbanization or urban redevelopment, it undergoes a complex social and political process of becoming fragmented, destabilized and fluid, blurring its established boundaries. In the competitive process of urbanization, the particular cycle of expansion, occupation and (re)development of space does not come from a desire as a form of demand; it is categorically related to the dynamics of urbanism, operating to reorganize visualized spaces or constructed territories and generating and reoccupying a new space through the constant process of transformation and expansion, imposed by the conflict between and coalition of heterogeneous elements and forces. The city is (re)produced, (re)mapped and (re)territorialized in dissonance between development and abandonment, between speed and inactivity, and between memory and loss.

Mo Kim and Hye Joo Jun present ‘Gaepo Jugong 1 Danji Tour Project (2017)’, which includes an information booth, installed in the exhibition space and is accompanied with a tour program to Gaepo Jugong 1 Danji Apartments in Gaepo-doing, Seoul. Beyond the nostalgia of the past, this work focuses on expanding and redistributing the disappearing moments and places of Gaepo Jugong apartments, some of the old apartments in South Korea, built in the early 1980s, by transforming their historically unique aspects into a new form of inheritance, for example, the development of tree seeds as a souvenir of the apartments. South Korean urbanization can be characterized as a profit-driven urban renewal project, which takes place on a massive scale and is led by affluent housing owners, the government and large construction companies and private investors. In many cases, the development process is violent, aggressive and unequal. ‘Gaepo Jugong 1 Danji Tour Project’ remaps periods of transformation of an old place through the concept of tourism, or from a tourist’s perspective, which rediscovers not only social and spatial changes in the process of urban redevelopment, but also the disappearance of old trees and facilities and their inherent cultural values, which are also seen as a part of the history of Korean apartment but can easily be overlooked in the dominant system and tendency of economically profit-driven urban redevelopment in South Korea.

Joseub’s new photographic work, ‘Empire (2017)’ is presented as a series along with ‘Eclipse (2013)’. This work unfolds certain aspects of South Korean contemporary society, by looking through a critical, twisted and satirical (re)presentation of the past, particularly the period of the late Joseon dynasty, which is read by the artist as a socially and politically dark age, full of chaos and corruption, in Korean history. The concept of absurdity or of an absurd encounter acts as an essential element for structuring Joseub’s works. In The Myth of Sisyphus, Albert Camus describes that “the absurd is born of this confrontation between the human need and the unreasonable silence of the world.” Apart from the traditional dualistic view, absurdity can be considered the logic of difference, which constantly creates a new relationship between heterogeneous things, ideas and elements through the act of defamiliarizing or separating one’s position from existing systems and orders, which are easily taken for granted. Like Joseub’s previous works, this photographic series provides sequenced situations or events of estrangement through the contradictory and discrepant relationship between wry and exaggerated expressions and performances of the actors and desolate and random background spaces, which can also be understood as the depiction of our society and of the social and spatial environment that people shape, between the past and the present, between construction and destruction, and between memory (or history) and reality. This work focuses on discovering critical and conflictual moments that can change and expand our perceptions of history, society and the world, and the meaning of life.

Euyoung Hong’s installation work, ‘Greenhouse Project (2017)’ is composed of a prefabricated greenhouse, constructed from an aluminum frame and semi-clear polycarbonate walls. This greenhouse is filled with abandoned planted pots. These plants were collected from Jeongneung-dong in Seoul over a two months period in 2017, as their previous owners could not take care of them, owing to moving house or simply did not want to keep them. These planted pots are displayed on the large central table inside the greenhouse. In addition to their regular watering, a set of purple grow lights are installed above the plants to give them proper light indoors. ‘Greenhouse Project’ explores the relationship between displacement and space in the city, by examining the movement and traces of abandoned plants. This greenhouse becomes not only a temporary shelter for collected plants, but also a new spatial point, where different things and ideas can encounter each other in a new order, system and context. Hong’s site-specific work, ‘Variable Demarcation (2017)’ creates a rectangular space or boundary from projected light on the street outside the gallery. As this light remains only for twelve hours roughly 9am to 9pm during a day, the border of the temporarily projected space becomes faded, disappeared or brightened in the changing conditions of the exterior. Hong’s light work is based on social and spatial problems, arising from urban space, particularly the space of urban homelessness.

맵핑 더 시티


유동적인 시대의 맵핑(지도 제작)은 공간에 대한 담론의 넓은 맥락과 공간에 거주하는 다양한 방식 속에서 창조적이고 비판적인 개입이 되었다. 맵핑은 최근까지도 중앙 집중적, 합리주의적 모델의 절대적 공간이 얽매어 왔던 사실에 기반을 둔 정당성과 권위의 문제로부터 자유롭게 되었다. 데니스 코스그로브, 『맵핑(Mappings)』, Reaktion Books, 1999, p. 19.

2017 난지아트쇼 IV《맵핑 더 시티》는 서울시립미술관에서 운영하는 난지미술창작스튜디오의 11기 국내 입주 작가 네 명(김세진, 김정모, 조습, 홍유영)과 외부 작가(전혜주)의 영상, 사진, 설치 등의 근작으로 이루어진 네 번째 그룹전이다. 이 전시는 “맵핑”의 개념과 그 개념이 도시와 맺는 관계를 탐구한다. 이 때 도시의 의미와 기능은 끊임없이 수정되고 확장되었으며 사람, 장소, 그리고 시간 간의 새로운 연결과 네트워크를 생산해내는 방식으로 변화되어 왔다.

인간은 예전부터 삶 속에서 지도와 맵핑의 중요성을 인식해왔다. 지도의 역사를 가로질러 맵핑은 제작자와 사회 속의 특정한 목적에 따라 다르게 이해되고 재현되었다. 흥미로운 예시로 ‘헤리퍼드 마파 문디’를 들 수 있다. 이 지도는 14세기에 제작되었으며 현재 영국 헤리퍼드에 위치한 헤리퍼드 성당에 전시되어 있다. 이 중세 지도는 세계를 독해, 조직, 투사하는 특정한 방식을 보여준다. 이 지도는 현존하는 가장 오래된 중세의 지도 중 하나인데, 현재 사용하는 지도와는 매우 다르다. 하지만 이러한 차이는 단지 중세의 과학적, 지리적 지식의 한계에 기인하거나 새로운 대륙들이 발견되기 거의 200년이나 전에 제작되었다는 점에서만 비롯된 것은 아니다. 오히려 이는 당시 수도원이 지식의 중심으로서 맵핑의 주도권을 쥐고 기독교적 세계관을 전파하고자 했기 때문이다. 세계의 중심인 예루살렘에 자리 잡은 마파 문디는 전통적인 중세의 맵핑을 반영하며 천사와 괴물과 같은 종교적인 상징과 기호로 장식되어 있다. 16세기 이후에는 계몽주의의 영향력 하에 유의미한 과학적, 기술적 변화들이 있었다. 이러한 변화는 개인주의적 지성 운동을 바탕으로 한 시공간의 이성적 지배와 더불어 전통적인 맵핑과 세계에 대한 투사에 영향을 미친 것이 분명하다. 맵핑의 진화 혹은 변화에서부터 우리는 맵핑의 잠재성을 재발견할 수 있다. 이로써 우리가 구축하고, 거주하고, 점유하는 공간에 대한 이해, 특히 맵핑의 개념을 통해 세계를 지각하고 만들어가는 방식에 대한 생각을 확장할 수 있는 것이다. 즉 맵핑은 기존의 공간적 시스템과 지식을 확장하고 변화시키는 역할을 한다.

후기 구조주의적 흐름은 단일한 역사적 서사와 인간과 세계를 설명하는 보편적이고 일원화된 서술을 탈피하게 해주었을 뿐만 아니라 나아가 맵핑의 개념을 이해하고 적용하는 방식까지 급속하게 바꾸어 놓았다. 특히 맵핑의 개념은 다양한 예술 작품과 전시를 통해서 서로 다른 방식과 맥락 속에서 확장되고 시각화 되었다. 1960년대 이래로 대지미술에서 개념미술에 이르기까지 많은 미술가 들은 자신의 여정을 기록하거나 주위의 장소를 재생산하면서 외곽부터 도시까지의 공간들에 표식과 흔적을 남기는 과제를 수행했다. 예를 들어 리차드 롱은 여정 중에 공간, 시간, 그리고 거리를 표시하거나 걷는 행위를 통해서 다수의 (일시적) 장소 특정적 설치 작업을 했다. 이 작업들은 그가 방문했던 장소에서부터 모은 돌멩이나 돌덩이 등 가공되지 않은 재료들로 구성되어 있었으며 때로는 사진이나 텍스트의 형식으로 기록되어 전시되기도 했다. 크리스찬 필립 뮐러의 1990년대 퍼포먼스와 설치 작업의 경우 서로 다른 나라의 국경을 가로지르며 제작되었고, <Splitting(쪼개기)>(1974)나 <Day’s End(하루의 끝)>(1975)과 같은 고든 메타-클락의 장소 특정적 작업은 다 양한 공간과 장소 본연의 한계와 모순을 탐구하며 기존의 질서와 체계를 넘어서는 공간적 관계와 움직임의 새로운 가능성을 만들어낸다. 뉴욕의 제임스 코헨 갤러리에서 2001년과 2013년에 각각 열린 로버트 스미슨의《Mapping Dislocations(전위를 맵핑하기)》와 솔 르윗의《Cut Torn Folded Ripped(잘리고 뜯기고 접히고 찢어진)》를 비롯한 몇몇의 전시들은 지도와 맵핑을 실험하면서 위치 전환과 장소의 개념을 재고한다.

《맵핑 더 시티》는 맵핑의 개념을 탐구하되 현재 한국 사회에서 구축된 공간과 공간적 지식과의 관계 속에서 변화되어 온 그 의미와 기능에 초점을 맞춘다. 이때 ‘지도’는 ‘맵핑’과 구별된다. 지도가 완성된 제품이라면 맵핑은 생산의 행위, 즉 들뢰즈의 “공-간" 개념으로 이해될 수 있는 것이다. 질 들뢰즈, 『차이와 반복(Difference and Repetition)』, Continuum, 2004, p. 291. (역자주: 관련 용어 및 인용구는 김상환 국역본 (민음사, 2004)를 참고함.)
들뢰즈는 『차이와 반복』에서 강도적 공-간(intensive spatium)을 “현상의 충족이유이고 나타나는 것의 조건”인 내적인 차이 혹은 비동등(inequality)으로 서술한다. Ibid., p. 281. 그의 개념상 외연적 공간(들뢰즈가 평형(equilibrium)이라 부르는 것)은 강도적 공간과 구별된다. 외연적 공간이란 실제 공간, 혹은 외재적인 조치나 질서를 표현하거나 구체화 하는 과정에 참여하는 모든 것이다. 다른 한편 강도적 공간은 가상공간 혹은 외재성의 흐름과 형식을 규정할 잠재력을 개발하는 모든 것을 뜻한다. 강도적 공간은 차이가 상쇄되고 사라지는 외연적 공간에 대하여 저항적이다. 따라서 맵핑이란 기존의 시스템, 질서, 관계를 가로지르는 행위와 (탈)생성의 법칙을 구축하는 데 초점을 맞추는 공간적 생산의 강도적 과정, 즉 강도적 공간화로 이해된다. 이는 모든 것과 그 외의 모든 것, 동등과 비동등, 중심과 변두리, 그리고 분할가능성과 분할불가능성 사이의 관계를 만드는 것이다.

들뢰즈의 공-간 개념의 견지에서 맵핑의 개념은 창의적이면서도 비판적으로 공간과 관계 맺으며 실천되고 구체화된다. 맵핑은 공간의 (재)구축, 변화, 재현, 그리고 그 공간의 지각에 중요한 역할을 하기 때문에 본질적으로 공간적이고 정치적이다. 다시 말해, 맵핑은 개념적으로, 그리고 물질적으로 기존의 질서와 관계를 변화시키는 일련의 관계들을 생성한다. 맵핑의 실천에서 저자성은 정치적 주체로서 기존의 질서와 분류의 시스템에 속하거나 통제를 받지 않으면서 장소를 옮겨 다니며 주권의 영역을 넓혀간다. 따라서 맵핑이란 비-위계적인 공간적 연결들을 만들어가는 과정으로 볼 수 있다. 이는 관련이 없는 사람, 시간, 기억, 장소와 공간 사이에 새로운 가시적인 선을 만들어 낸다. 맵핑은 변주와 확장을 통해서 작동하며 언제나 분리와 연결이 가능한 지도를 생산해낸다. 이에 따라 공간 혹은 공간성은 단지 정적인 공간적 시스템에 사물을 담거나 분류하기까지 하는 고정된 존재라고 볼 수 없다. 맵핑의 실천에서 공간성은 끊임없이 계층화 된 공간을 침투 가능한 공간으로 (재)생산되고 변화할 뿐만 아니라 사람들의 사고와 행동을 확장시키고 다른 방식으로 인도한다.

이 전시는 맵핑이 예술적 공간과 실천 안에서 그리고 이를 관통하여 기존의 공간적 지식과 관계를 수집, 생산, 코드, 디코드와 리코드, 재배열 그리고 시각화할 수 있는 새로운 형식으로 기능하는 방식과 세상을 인지하고 이해하는데 있어서 동시대적 변화들이 맵핑의 의미와 실천을 변화시키는 방식에 주목한다. 제목이 나타내듯이, 이 전시는 맵핑과 공간, 특히 도시의 확장된 관계에 집중한다. 주로 도시 외부에 위치한 자연녹지나 시골 지역과는 달리 도시는 경쟁적인 구역이다. 결정적인 힘을 행사할 수 있는 지배적인 위치에 오르기 위해 새로운 생산의 유형, 사회정치적 행위와 관계들이 경쟁적으로 생성되는 곳이 바로 도시인 것이다. 즉, 도시는 새로운 공간적 원칙과 지각과의 조우를 통해 기존의 관계와 시스템의 변형과 갈등을 지각하고 경험할 기회를 제공하기에 적합한 공간이다. 한국을 비롯한 몇몇 국가는 다른 나라보다 도시 공간을 더 활발하게 활용한다. 이는 한국 인구의 50%가 도시에 집중되어 있기 때문만이 아니라 많은 경우 공간이 경쟁적 개발, 주거 및 상업공간에 대한 투자, 공적 공간의 점유와 변형과 같이 이윤을 추구하는데 필수적인 수단으로 사용되기 때문이다. 이와 같은 한국의 복잡한 공간성과 공간화 작용을 염두에 두었을 때, 맵핑은 단지 일원화된 관점으로 이해될 수 없다. 공간은 고정된 존재가 아니라 서로 다른 세력, 움직임, 관계, 그리고 지각 간의 상호관계에 의해 항시적으로 생산되고 변화하는 것이기 때문이다.

이 전시는 도시를 맵핑하는 네 개의 서로 다른 공간, 관점, 방법으로 구조화 되어있다. 맵핑에 대한 사유를 발전시키면서 네 작품들은 한국 도시 공간의 지배적인 권력과 체계에 가리어져 망각되고 간과 되었거나 비가시적이었던 특정 양상, 순간, 공간을 시각화 한다. 김세진의 <밤을 위한 낮>(2014)은 도시에 대한 이질적인 순간, 공간과 사유들 간의 복잡한 관계에 천착한다. 이 영상 작품에서 폐허가 된 대전의 한 지역의 버려진 집과 황폐한 거리들이 만들어낸 어둡고 파편적인 장면들이 다채로운 스크린과 기찻길, 전철역, 새로 지은 고층빌딩 등 도시 공간을 빠르게 통과하는 이미지들과 번갈아 가며 나타난다. 이 작품은 도시의 변화 과정에서 낯선 순간들을 끊임없이 만들어내는 도시 공간과 그 안에서의 사람들의 삶과 생존을 다룬다. 거주공간이 급격한 도시화와 재개발 상황과 마주하며 갈등할 때, 이 공간은 파편화되고 불안정화 해지며 이미 구축된 경계들을 유동적으로 만들어 흐려놓는 복잡한 사회적, 정치적 과정을 겪게 된다. 경쟁적인 도시화 과정에서 공간은 확장, 점유, 재개발이라는 특정한 순환을 겪게 되는데, 이는 단지 수요의 형식으로서의 욕망에서부터 왔다고만 보기는 어렵다. 이는 이질적인 요소들과 힘들의 갈등과 연합으로 인해 일어나는 변화와 확장의 항시적인 과정을 통해 시각화 된 공간이나 구축된 영토를 재배치하고 새로운 공간을 생성하고 재점유 하는 것과 밀접한 관계를 맺고 있다. 도시는 개발과 유기, 속도와 정지, 기억과 상실 사이의 불화 속에서 (재)생산, (재)배치, (재)영토화 된다.

김정모와 전혜주는 <개포주공 1단지 투어 프로젝트>(2017)를 선보인다. 이 작품은 전시 공간에 설치된 안내소와 서울 개포동의 개포주공 1단지 아파트를 돌아보는 투어 프로그램으로 구성되어 있다. 과거에 대한 향수를 너머 이 작품은 1980년대에 지어진 한국의 노후한 아파트들 중 하나인 개포주공아파트의 소멸되는 순간과 공간의 확장과 재분배에 초점을 맞춘다. 예를 들자면, 단지 안의 식물들의 종자를 채집하여 상품화하고 재분배하는 등 개포주공 1단지에 나타나는 한국 주거역사의 특이성을 새로운 형태의 유물로 전환한다. 한국의 도시화는 이윤을 추구하는 재개발 프로젝트로 요약될 수 있는데, 이는 부유한 주택 소유자, 정부, 대규모 건설회사, 그리고 개인투자가들에 의해 대규모로 진행된다. 많은 경우 재개발 과정은 폭력적이고 공격적이며 불평등하다. <개포주공 1단지 투어 프로젝트>는 투어리즘이라는 개념을 경유하여 낡은 공간이 변화를 겪는 시간을 재배치한다. 이를 통해 도시 재개발 과정에서 나타나는 사회적, 공간적 차이뿐만 아니라 오래된 나무, 시설, 그리고 이에 내재된 문화적 가치까지 재발견한다. 이러한 요소들은 한국 아파트의 역사로 조명되기도 하지만 지배적인 시스템과 경제적인 이윤에 의해 주도되는 도시 재개발의 맥락에서는 쉽게 간과되는 것이다.

조습의 신작인 <제국>(2017)은 기존의 작업들인 <네이션>(2016)과 <일식>(2013)과 함께 시리즈로 선보인다. 이 작품은 과거에 대한 비평적이고 풍자적이며 뒤틀려 있는 (재)현의 방식을 제시함으로써 한국 현대 사회의 특정한 면모를 풀어낸다. 작가는 특히 조선시대를 한국사에서 혼란과 부패로 가득한 사회적, 정치적인 암흑시대로 독해한다. 부조리 혹은 부조리한 만남이라는 개념은 조습의 작업을 구조화 하는 핵심적인 요소이다. 『시지프스의 신화』에서 알베르 카뮈는 “부조리는 인간의 필요와 세상의 불합리한 침묵의 대면에서 탄생한다.”고 설명한다. 알베르 카뮈, 저스틴 오브라이언 역, 『시지프스의 신화 외(The Myth of Sisyphus and Other Essays』, Vintage, 1991, p. 28.

부조리는 전통적인 이분법적 관점이 아닌 차이의 논리로 볼 수 있다. 이는 당연하게 여겨지는 기존의 시스템과 질서로부터 한 사람의 입장을 낯설게 하거나 분리함으로써 이질적인 것들, 생각이나 요소들 간의 새로운 관계를 창출해낸다. 조습의 전작과 마찬가지로 이 사진 시리즈는 풍자적이고 과장된 표현의 연기자들이 만들어내는 퍼포먼스와 적막하고 임의적인 배경 간의 모순적인 관계를 통해 일련의 상황이나 소격의 사건을 드러낸다. 이는 또한 사람들이 과거와 현재, 구축과 해체, 기억(혹은 역사)과 현실 사이에서 만들어가는 사회적, 공간적 환경과 우리의 사회에 대한 묘사로 이해될 수도 있다. 이 작품은 역사, 사회, 세계, 그리고 삶의 의미에 대한 우리의 인식을 바꾸고 확장 시킬 수 있는 비평적이고 대립적인 순간들을 드러내는 데에 집중한다.

홍유영의 <온실 프로젝트>(2017)는 알루미늄 구조물과 반투명 폴리카보네이트 벽으로 된 조립식 온실로 구성되어 있고, 그 안에는 버려진 화초들로 가득 차 있다. 이 식물들은 서울 정릉동에서 2017년 중 약 두 달 동안 수집한 것으로, 이전 주인들이 이사를 가거나 더 이상 원하지 않아 돌보지 않고 버린 것들이다. 식물이 심겨진 화분은 온실 속 중앙에 위치한 큰 테이블에 놓여있다. 규칙적으로 물을 주는 것과 더불어 적합한 실내광을 제공하기 위해 보랏빛의 식물생장조명이 천정에 설치가 되어있다. <온실 프로젝트>는 버려진 식물의 이동과 흔적을 살펴봄으로써 도시 안에서 이주와 공간 간의 복잡한 관계를 탐구한다. 이 온실은 수집한 식물들을 위한 임시 거처가 될 뿐만 아니라 이질적인 사물과 사고가 새로운 질서, 체계, 맥락 속에서 만날 수 있는 새로운 공간적 좌표가 된다. 홍유영의 장소 특정적 작품인 <가변적 경계>(2017)는 전시장 밖의 한 도로변에 빛의 투사로 직사각형 공간 혹은 경계를 만들어낸다. 이 빛은 오전 9시부터 오후 9시까지 대략 12시간 동안 비추기 때문에 일시적으로 투사된 공간은 희미해지고 사라지는 등 외부의 조건이 변하면서 그 밝기와 경계가 지속적으로 변한다. 홍유영의 조명 작업은 도시 노숙자의 공간을 주목하며 도시 공간에서부터 발생하는 사회적, 공간적 문제를 바탕으로 하고 있다.

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